"- Zazie, déclare Gabriel en prenant un air majestueux trouvé sans peine dans son répertoire, si ça te plaît de voir vraiment les Invalides et le tombeau véritable du vrai Napoléon, je t'y conduirai.
- Napoléon mon cul, réplique Zazie. Il m'intéresse pas du tout, cet enflé, avec son chapeau à la con.
- Qu'est-ce qui t'intéresse alors ?
Zazie ne répond pas.
- Oui, dit Charles avec une gentillesse inattendue, qu'est-ce qui t'intéresse ?
- Le métro."

François Truffaut livre ses secrets de cinéma.
En 1981, François Truffaut, l'ancien fougueux critique de cinéma, fait l'autocritique de ses propres films.
En s'appuyant sur des scènes et des anecdotes de tournage, Truffaut revisite, avec émotion et franchise, sa carrière, des Mistons (1959) à La Femme d'à côté (1981).
Des échanges précieux dans lesquels il se remémore la genèse des films, révèle leurs secrets de fabrication et n'hésite pas à juger avec sévérité certains de ses partis pris de mise en scène. Un long entretien inédit et richement illustré qui dessine en filigrane le portrait d'un immense artiste.
Plus qu'une leçon de cinéma, une réponse à la question fondamentale : qu'est-ce que le cinéma ?

L'OEuvre d'art à l'époque de sa reproductibilité technique annonce, dès son titre, le tournant opéré par la modernité : Benjamin montre dans cet essai lumineux que l'avènement de la photographie, puis du cinéma, n'est pas l'apparition d'une simple technique nouvelle, mais qu'il bouleverse de fond en comble le statut de l'oeuvre d'art, en lui ôtant ce que Benjamin nomme son "aura". L'auteur met au jour les conséquences immenses de cette révolution, bien au-delà de la sphère artistique, dans tout le champ social et politique. Un texte fondamental, dont les échos ne cessent de se prolonger dans les réflexions contemporaines.

La biographie impossible d'une icône du XXe siècle. Nusch était-elle une muse ou une artiste à part entière ?Durant les années 1930, Nusch Eluard a occupé une place centrale dans la vie et l'imaginaire du groupe surréaliste. Pourtant, elle nous apparaît aujourd'hui comme un corps sans voix, sans histoire. Sa postérité dans les dessins et les toiles de Picasso, les photographies de Man Ray, Dora Maar, Roland Penrose ou Lee Miller, mais aussi dans les poèmes de son mari Paul Eluard, nous a empêchés de prendre conscience de son effacement. Ses portraits, comme ceux d'autres femmes qui gravitaient autour des surréalistes, l'ont offerte à notre regard sans que nous ne sachions rien d'elle.
Dans ce livre, Joana Masó retrace le parcours de Nusch Eluard en collectant les fragments qui, un à un, composent la mémoire d'une courte existence, entièrement vouée à la création artistique. À l'heure où l'on questionne l'héritage surréaliste, elle s'interroge : comment recevoir la présence de ces femmes, dites sans oeuvre, dans la production photographique et picturale des hommes ?
Au terme d'une réflexion passionnante et grâce à une abondante iconographie, dont de nombreux documents inédits, elle nous engage à dire enfin le rôle de celles que notre histoire de l'art a longtemps considérées comme de simples inspiratrices, muses ou égéries, et qui peuplent les livres d'art. Lire la suite Fermer

"- Dis-moi pourquoi tu rentres si tard.
Il n'a rien répondu.
- Vous avez bu ? Joué au poker ? Vous êtes sortis ? Tu as oublié l'heure ?
Il continuait à se taire, avec une espèce d'insistance, en faisant tourner son verre entre ses doigts. J'ai jeté par hasard des mots absurdes pour le faire sortir de ses gonds et lui arracher une explication :
- Qu'est-ce qui se passe ? Il y a une femme dans ta vie ?
Sans me quitter des yeux, il a dit :
- Oui, Monique, il y a une femme dans ma vie."

À force de regarder une étude de lion et de lionne de Rosa Bonheur, Laurence Bertrand Dorléac imagine toutes sortes de contes qui exagèrent une vie singulière. Elle revient à l'imaginaire de l'artiste en matière de modèle, de dessin, de couleur, mais aussi d'animaux, de château, de carrière, de politique, de domptage ou d'amour. Pour saisir la folie douce de son oeuvre, elle retourne à un siècle de fer qui ne donne presque aucune chance à une femme d'exister.

Laurence Bertrand Dorléac est professeure d'histoire de l'art à Sciences Po, autrice de livres et d'expositions. Elle préside la Fondation nationale des sciences politiques.

Récit mêlant fiction et histoire autour de la création d'un chef d'oeuvre Les faits relatés dans ce court roman sont vrais, vérifiés et documentés. Collection forte actuellement de 35 titres.
Aboutissement du génie absolu de Claude Monet, ces huit compositions monumentales exposées depuis 1927 à l'Orangerie sont un chef-d'oeuvre ô combien particulier dans l'art pictural français.
Claude Monet entreprend cette dernière création alors qu'il a déjà passé soixante-dix ans. Il réinvente ainsi son art et son inspiration. Pour peindre ses toiles géantes, il fait construire un immense atelier dans sa maison de Giverny. Et il court de son jardin d'eau à ses chevalets, alors que la cataracte empire, altère sa perception des formes et des couleurs et le menace chaque jour davantage de cécité totale.
Le 12 novembre 1918, il fait don de quelques-unes de ce qu'il appelle ses " Grandes décorations " à la France, pour fêter la victoire et la paix retrouvée. Il pose une condition unique, qui ajoute encore à la grandeur de l'oeuvre : que ces toiles soient exposées dans un lieu qui leur soit totalement consacré. Il compte pour cela sur l'amitié indéfectible, bourrue et tendre, complice et fraternelle, de Georges Clemenceau.
Cette histoire témoigne autant du génie de l'artiste que du lien rare et précieux qui unit deux hommes : Monet et Clemenceau. Lire la suite Fermer

Considéré comme l'un des trois plus grands représentants de l'art de la Renaissance, avec Léonard ou Michel-Ange, Raphaël a été particulièrement sensible aux tensions que suscitait le triomphe de l'humanisme au sein de l'Église. Daniel Arasse reconstitue ici le fil de son évolution artistique et religieuse à travers la représentation de la vision spirituelle. Fondés sur l'analyse des oeuvres, ces deux textes montrent comment Raphaël a su formuler les attentes profondes et parfois contradictoires de ses contemporains, et comment la peinture constitue une forme de pensée spécifique et irremplaçable.

L'art contemporain d'un point de vue esthétique, culturel, politique et économique. L'infographie pour rendre visible les enjeux majeurs du secteur.
Saviez-vous que Richard Orlinski est l'artiste français vivant le plus vendu au monde ; que moins de 5 % des oeuvres des grands musées occidentaux sont africaines ; que sans pétrole, il n'y aurait probablement pas d'art contemporain ; que
Rabbit de Jeff Koons s'est vendue à plus de 90 millions de dollars ; que le premier musée d'art contemporain en Iran date de 1977 ; que
Sans-titre est désormais la manière la plus fréquente d'intituler une oeuvre d'art ; qu'il existe une trentaine d'artothèques en France, où l'on peut emprunter des oeuvres quelques mois sans les acheter ?
Voilà ce que vous découvrirez en vous plongeant dans cette foisonnante infographie. En une centaine de pages, cet ouvrage propose une nouvelle écriture graphique, aussi riche qu'inventive.
Grâce à la datavisualisation, le lecteur sera immergé dans le monde de l'art contemporain, à la rencontre de son histoire, de sa dimension politique, de ses acteurs et actrices - artistes, galeristes, curateurs, collectionneurs... -, de ses oeuvres, de leur matérialité et leur circulation, mais aussi de ses aspects économiques et esthétiques.
De la place réservée aux artistes femmes à l'évolution des matériaux utilisés dans les oeuvres d'art, en passant par la percée des pays non-occidentaux sur la scène internationale, et les stratégies d'exposition des artistes sur les réseaux sociaux, cet ouvrage propose une approche originale, mondiale et transversale de l'art contemporain ; il plonge dans l'histoire du second XXe siècle, comme dans l'actualité la plus récente.
Grâce à la collaboration d'une spécialiste des avant-gardes artistiques et d'une graphiste hors pair,
L'art contemporain. Une infographie rend compte, par l'infographie, des enjeux de cet univers. Lire la suite Fermer

Figure incontournable de l'avant-garde du XXe siècle, connu pour le geste iconoclaste du ready-made, Marcel Duchamp a trop vite été lu et interprété comme un artiste de la fin de l'art. Duchamp serait celui qui voulait, selon ses propres mots, "liquider complètement l'art" ou "tourner l'art en dérision". Mais, à le suivre dans ses oeuvres et ses déclarations, on découvre assez vite une autre facette, celle d'un artiste qui, tout en affirmant vouloir ne plus produire d'oeuvres, repense la fonction de l'art à partir de nombreux emprunts à une culture fin-de-siècle croisant anarchisme et symbolisme.

S'appuyant pour partie sur les propos de Duchamp lors d'une fameuse conférence de 1957 consacrée au "processus créatif", cet ouvrage examine le poids et la fonction de cet héritage dans lequel Duchamp puise non seulement des modèles (médium, esthète, thaumaturge), mais un esprit de transgression qui annonçait, avant l'heure, une refonte radicale des notions d'auteur et de performance artistique, à grande distance de la démystification de l'art annoncée.

Pascal Rousseau est professeur d'histoire de l'art contemporain à l'université Paris-1 Panthéon-Sorbonne. Lire la suite Fermer

Mêlant récit romanesque et enquête historique, chaque auteur raconte l'histoire d'un tableau célèbre. Le livre sortira de façon concomitante avec l'expo du Louvre et la médiatisation du livre.
" Chardin élaborait une composition particulière et savante, prête à susciter une émotion. Il avait édifié sa pyramide comme si chacune de ces fraises était un objet sacré, une hostie qu'il aurait empilée l'une après l'autre jusqu'à réaliser cet édifice éphémère, mais non moins religieux à ses yeux. (...)
La toile en question était apparue soudain à ses yeux comme une épure, des " presque rien " qui devenaient tout. Certes, cela n'allait pas dans le sens du siècle... "
Le Panier de fraises des bois est sans doute l'une des natures mortes réalisées par Chardin qui illustre le mieux " le goût français ". Classé " trésor national " depuis la fameuse vente aux enchères qu'Artcurial organisa le 23 mars 2022 à Paris, le tableau entre au Louvre début 2025 pour rejoindre l'impressionnante collection du peintre déjà en place. Lire la suite Fermer

Mêlant récit romanesque et enquête historique, l'auteur raconte l'histoire du tableau des Raboteurs de parquet.
Paris, un matin de 1875. Trois ouvriers, torses nus, sont en plein travail. Dans un appartement, outils en main, ils s'affairent à redonner vie au parquet du salon du propriétaire des lieux. Lui, c'est le peintre Gustave Caillebotte. Il a compris qu'il tient là le sujet de sa prochaine toile.
Le tableau des Raboteurs de parquet sera présenté lors du Salon officiel et refusé par le jury, choqué par la "vulgarité" du sujet. Ce tableau pourtant si réaliste et résolument tournée vers la modernité, illustre et rassemble les plus grandes qualités des peintres impressionnistes, dont Caillebotte sera également l'ami fidèle et généreux.
Les Raboteurs de parquet reste l'une des oeuvres les plus célèbres de Gustave Caillebotte, immense artiste du XIXe siècle. Et c'est dans ce tableau - simple en apparence mais riche et lumineux - que l'artiste livre certainement une grande partie de lui-même. Lire la suite Fermer

La ressemblance, particulièrement à l'époque de la Renaissance, n'est souvent qu'un mythe : à la fois une opération "légendaire", littéraire, et un "bricolage", un montage technique destiné à réunir dans le concret des ordres de pensée ou de réalité tout à fait hétérogènes. C'est ainsi que le fameux "portrait de Dante" par son "ami Giotto" - qui a fixé jusqu'à aujourd'hui notre image du poète - n'aura été qu'une invention rétrospective destinée à fonder, au XVIe siècle, l'idée d'une Renaissance tout entière ordonnée par la conquête des ressemblances optiques et picturales... et à refouler de notre culture historique l'importance des ressemblances par contact en usage dans maints objets florentins du Trecento et du Quattrocento.
Une réflexion sur un célèbre portrait en buste, moulé et modelé en terre cuite, poursuit ce parcours critique : à travers son destin dans le discours de l'histoire de l'art - chef-d'oeuvre de Donatello ou, au contraire, oeuvre indigne du qualificatif même d'"artistique" ? - on verra émerger quelques présupposés théoriques majeurs de la discipline elle-même qui, trop souvent, ignore qu'elle regarde aussi avec ses... mots.
Dans l'autoportrait "christique" de Dürer, enfin, nous aurons à découvrir que l'image peinte n'avait rien, pour lui, d'une simple conquête virtuose sur le monde visible. Envisagée au prisme de son inquiétude religieuse, elle s'imposait plutôt comme un drame de la ressemblance : ainsi dans la hantise de visages disparaissant sous le blanc des linceuls. Lire la suite Fermer

À Venise, au pied de la Douane de mer, en face du palais des Doges et de San Giorgio Maggiore avec son haut campanile, deux jeunes gens qui s'aiment vont écouter, le soir, un personnage surprenant qui porte beaucoup de noms. Ses récits les emportent, à travers l'espace et le temps, dans un tourbillon d'aventures où passent à toute allure, sous des éclairages imprévus, assez peu familiers aux enfants des écoles, Stendhal et Christophe Colomb, des Chinois et des Arabes, le procurateur de Judée et des guerriers vikings, le raid israélien sur Entebbe et l'invention du zéro, les amours de Pauline Borghèse et Les Mille et Une Nuits, toutes les passions du monde et aussi ses misères. L'homme à l'imperméable, qui raconte, avant de disparaître comme il est apparu, ces souvenirs ou ces fables qui se confondent avec la vie, se prétend condamné à l'immortalité pour avoir refusé, sur le chemin du Calvaire, un verre d'eau à Jésus titubant sous sa croix. Son histoire d'éternité fait revivre un mythe aussi universel que don Juan ou le docteur Faust : le Juif errant. Dans les récits de la Douane de mer, il ne ressemble à rien de connu : à mi-chemin de la Bible et de la bande dessinée, de Hegel et d'Arsène Lupin, il incarne l'histoire des hommes, nécessaire et inutile, depuis toujours maudite et pourtant irrésistible de gaieté et de bonheur. Lire la suite Fermer

Mêlant récit romanesque et enquête historique, l'auteure raconte l'histoire du tableau de Berthe Morisot : Le berceau.
Apparu dès la première expositionimpressionniste de 1874, Le Berceau est une scène intimequi a été inspirée à Berthe Morisot par sa soeur Edma contemplant sa fille Blanche. Mais les yeux et le pinceau de l'artiste ont transfiguré ce moment "banal" de la vie de tous les jours en une maternité intemporelle : un nouveau-né endormi veillé par sa mère.
"Féerie, oui, quotidienne... " écrivait avec justesse Mallarmé à propos de l'art de Berthe Morisot.
Imaginons qu'un soir, après la fermeture du musée d'Orsay, Edma s'échappe du tableau pour nous aider à mieux comprendre la signification du Berceau en nous racontant la personnalité de Berthe. S'appuyant sur un échange de lettres entre soeurs (une émouvante histoire de fraternité), Edma a le pouvoir de faire renaître le passé et de ressusciter la merveilleuse époque de l'impressionnisme. Lire la suite Fermer

Mêlant récit romanesque et enquête historique, l'auteure raconte l'histoire du tableau Le tricheur à l'as de carreau.
Deux hommes et une femme disputent une partie de cartes pendant qu'une servante leur sert du vin. Trois complices qui pipent un benêt. Un roué et deux courtisanes qui plument un jeune bourgeois. Des loups sur le point de dévorer un agneau. As, sept et six de carreau: la main gagnante rafle les pièces d'or. C'est le jeu de la primeet de la vie: une vaste duperie. Tel est le sujet pittoresque du Tricheur à l'as de carreau.
Mais que signifient ces regards complices et cet énigmatique ballet de mains? Quel drame se noue entre les quatre personnages du tableau de GeorgesdeLaTour? Qui sont-ils? Ou plutôt, qui pourraient-ils être? Car on sait très peu de choses sur l'oeuvre et la vie de l'artiste qui, célébré de son vivant, fut oublié pendant plus de 250 ans avant d'être ressuscité par les historiens de l'art au début du xxe siècle.Pour faire parler la toile silencieuse et éclairer ses mystères, il faudra par conséquent chercher la vérité du côté du rêve. Lire la suite Fermer

Le petit livre indispensable pour tous ceux qui s'intéressent au monde matériel (makers, fablabs, design, etc.)
En 1971, Victor Papanek publie
Design pour un monde réel, devançant de peu la publication du rapport Meadows intitulé
Les limites à la croissance (dans un monde fini), qui établit la nécessité de se préoccuper de la prolifération d'objets manufacturés dans un monde en proie aux crises climatiques.
Quelle est, aujourd'hui, la responsabilité particulière du designer face au monde contemporain ? Quelle peut être sa tâche, dans un monde non plus réel, mais fini ? Cet ouvrage est un recueil pratique pour puiser des ressources théoriques. Il y est question d'un design d'inventeurs ingénieux, de designers bricoleurs, de hackers et de makers. Les textes qui suivent sont des invitations à décrypter, à lire ou relire quelques textes fondateurs ou inspirants, pour établir des filiations entre des termes parfois très à la mode et d'autres moins courants. Il n'est pas exhaustif et il est encore moins objectif. Dans une perspective pédagogique assumée, c'est un outil engagé et discutable (au meilleur sens du terme), qui s'adresse autant aux enseignants et aux étudiants qu'à celles et ceux qui cherchent à mieux comprendre comment le design peut penser son action dans un monde fini, en affirmant sa posture critique face à la société industrielle contemporaine et en cultivant le sens du bien commun.
Dans le changement profond et dans les troubles qu'engendre le contexte actuel, c'est la nécessaire réinvention des pratiques de conception qu'il s'agit d'observer et de comprendre. Le design est au coeur de la question, puisqu'il est sa matière même. Car si " design " signifie concevoir, il doit permettre penser le changement de paradigme que nous vivons et notre manière de concevoir et de dessiner, formuler, imaginer, donner forme au monde lui-même. Lire la suite Fermer

John Dewey (1859-1952) est un des piliers du pragmatisme. Au centre de cette tradition, il y a l'enquête, c'est-à-dire la conviction qu'aucune question n'est a priori étrangère à la discussion et à la justification rationnelle.
Dewey a porté cette notion d'enquête le plus loin : à ses yeux, il n'y a pas de différence essentielle entre les questions que posent les choix éthiques, moraux ou esthétiques et celles qui ont une signification et une portée plus directement cognitives. Aussi aborde-t-il les questions morales et esthétiques dans un esprit d'expérimentation - ce qui tranche considérablement avec la manière dont la philosophie les aborde d'ordinaire, privilégiant soit la subjectivité et la vie morale, soit les conditions sociales et institutionnelles.
Dans L'art comme expérience, la préoccupation de Dewey est l'éducation de l'homme ordinaire. Il développe une vision de l'art en société démocratique, qui libère quiconque des mythes intimidants qui font obstacles à l'expérience artistique. Lire la suite Fermer

EDITION NUMERIQUE ENRICHIE
Le premier livre d'art numérique !
La peinture italienne racontée par Paul Veyne : « une superproduction italienne » (Libération), « L'épopée de la beauté » (Le Figaro littéraire), « L'invitation enthousiasmante d'un sage au gai savoir » (Et vous).
Une expérience inédite :
Plongez et naviguez à l'intérieur de plus de 255 chefs d'oeuvre de la peinture italienne
avec une rapidité et une définition exceptionnelle : la peinture italienne comme vous ne l'avez jamais vue!
Laissez-vous guider grâce au « zoom intuitif » pour découvrir les détails merveilleux des plus grandes fresques.
Écoutez Paul Veyne raconter de vive voix les secrets de ses tableaux préférés parmi les 255 chefs d'oeuvre qu'il a choisis : 40 témoignages audio passionnants, mis en musique par France Inter, partenaire de l'ouvrage.
En voyage, retrouvez facilement les tableaux à ne pas rater grâce : un moteur de recherche inédit vous propose facilement d'afficher les oeuvres par ville, musée ou artiste... Voyagez avec Paul Veyne comme guide dans votre poche !
Paul Veyne est professeur honoraire au Collège de France et l'un des plus grands historiens français de l'Antiquité romaine. Ses nombreuses publications sur la sociologie romaine ou les mythes grecs, rédigés d'une plume alerte et joyeuse, l'ont fait connaître du grand public (Quand notre monde est devenu chrétien, 2006 ; Foucault, sa pensée, sa personne, 2008 ; Mon musée imaginaire, 2010).
Retrouvez la préface vidéo et la bande annonce sur youtube en tapant musée imaginaire de Paul Veyne. Lire la suite Fermer

En 2014, le peintre Gerhard Richter achève quatre tableaux abstraits qu'il nomme Birkenau. Ils sont le résultat de sa longue confrontation avec quatre photographies prises pendant l'été 1944 près du crématoire V d'Auschwitz-Birkenau par les membres du Sonderkommando affectés à la préparation des victimes et au traitement de leurs cadavres. Ce sont les seules images documentant de façon directe le processus d'extermination des Juifs d'Europe par gazage et destruction de leurs restes. Éric de Chassey analyse ici ces photographies, à partir de leur matérialité et de ce que l'on sait des conditions de leur prise de vue, et mène une enquête minutieuse pour comprendre quels traitements, problématiques, elles ont subis de la part d'un artiste contemporain attaché à maintenir vivante la mémoire de la Shoah. Il montre ainsi comment, à force de spectacularisation et de relativisme, nous sommes devenus insensibles aux enjeux moraux et politiques des images et de la manière dont on les montre et les regarde. Lire la suite Fermer

Edition enrichie (Présentation, notes, chronologie et bibliographie)« Je crois sincèrement que la meilleure critique est celle qui est amusante et poétique ; non pas celle-ci, froide et algébrique, qui, sous prétexte de tout expliquer, n'a ni haine ni amour, et se dépouille volontairement de toute espèce de tempérament ; mais, - un beau tableau étant la nature réfléchie par un artiste, - celle qui sera ce tableau réfléchi par un esprit intelligent et sensible. [...] Pour être juste, c'est-à-dire pour avoir sa raison d'être, la critique doit être partiale, passionnée, politique, c'est-à-dire faite à un point de vue exclusif, mais au point de vue qui ouvre le plus d'horizons. »
Baudelaire, ainsi, est tout entier présent dans ces Ecrits sur l'art qui sont l'autre versant de son oeuvre et, en effet, selon son voeu, ouvrent bien plus d'horizons. Car dans ces pages écrites de 1845 à ses dernières années, ce n'est pas simplement le critique d'art des Salons que l'on découvre, mais le théoricien du romantisme et de l'imagination, du beau et du comique dans l'art, et finalement l'écrivain de cette modernité qu'il définit - et qui pour nous s'ouvre avec lui.
Edition de Francis Moulinat.  Lire la suite Fermer

Récit mêlant fiction et histoire autour de la création d'un chef d'oeuvre L'auteur raconte l'histoire du tableau. Le narrateur est le peintre lui-même ou le modèle ou un(e) ami(e). Il peut être également l'auteur lui-même qui mène sa propre enquête sur les mystères et les secrets du tableau. Ici, il ne s'agit pas de raconter Monet en Normandie, à Giverny ou Étretat, mais abordant une nouvelle terre d'inspiration.
De septembre à novembre 1886, Claude Monet est à Belle-Île-en-Mer, l'île la plus vaste de Bretagne. Le peintre, jusqu'ici habitué à la mer d'Étretat, affronte un nouveau territoire: l'océan Atlantique. Belle-Île, c'est la "mer terrible", avec des tempêtes titanesques, mais aussi un soleil qui s'attarde plus longtemps que sur le continent et donne à la nature mille et une couleurs éblouissantes.
Dans cette solitude insulaire, Monet fera de belles rencontres: comme cet ancien pêcheur de homards, Poly, qui sera son porteur et dont Monet fera le portrait.
Un séjour qui sera un ancrage plus profond de son expression au monde. Lire la suite Fermer

Dans un article paru dans Le Débat, Nathalie Heinich proposait de considérer l'art contemporain comme un genre de l'art, différent de l'art moderne comme de l'art classique. Il s'agissait d'en bien marquer la spécificité tout en accueillant la pluralité des définitions de l'art susceptibles de coexister.
Plus de vingt ans après, la "querelle de l'art contemporain" n'est pas éteinte, stimulée par l'explosion des prix, la spectacularisation des propositions et le soutien d'institutions renommées à des installations controversées.
C'est que, plus qu'un "genre" artistique, l'art contemporain fonctionne comme un nouveau paradigme, autrement dit "une structuration générale des conceptions admises à un moment du temps", un modèle inconscient qui formate le sens de la normalité.
En passant de l'art moderne à l'art contemporain, on change toutes les règles : la façon de faire de l'art, de le voir, de le penser, mais aussi la façon de le présenter et in fine de le vendre. Lire la suite Fermer

« Voilà longtemps déjà que je pratique mon métier, que je le ressens, le surveille comme on surveille une habitude ; il me pénètre, et j'ai pris cette manie d'en chercher les effets en moi et dans les autres, d'en surveiller les manifestations. »

Les textes qui composent cet ouvrage sont extraits de l'important ensemble de réflexions que Louis Jouvet a transcrites au cours de répétitions, après le spectacle, en tournée, ou à l'issue de ses cours du Conservatoire. Écrites entre 1939 et 1950, ces notes méditatives prennent la forme d'une leçon unique sur l'art théâtral et le métier d'acteur.