"Cinq cents films sinon rien", ainsi pourrait se résumer la riche carrière du maître italien de la musique de cinéma. Par delà les cinquante années de cet étonnant parcours s'est profilée peu à peu l'une des plus fascinantes créations artistiques du monde contemporain. Souvent imitées, jamais égalées, les compositions du maestro se veulent surtout une formidable leçon d'art humaniste traversant les épreuves du temps avec brio. Cet ouvrage constitue un panorama clair et précis de l'oeuvre du compositeur.
Francis Poulenc (1899-1963) a été particulièrement influencé par la musique populaire de son époque. Pour étudier cet aspect de son oeuvre, l'auteur s'est appuyé sur la production musicale du compositeur, sur ses nombreux témoignages (correspondances, émissions radiophoniques et divers écrits) et sur tous les documents liés à la création et à la réception de ses oeuvres.
Clara Wieck-Schumann est certes l'épouse de Robert Schumann, mais elle est également une figure majeure de la société de son temps. Pianiste, elle parcourt, sa vie durant, les scènes de l'Europe entière et devient incontestablement l'une des plus brillantes virtuoses du romantisme, un "second Liszt". Egalement compositrice et mère d'une famille nombreuse, Clara Wieck-Schumann brave les idées reçues, voire certains interdits de son époque, pour concilier des vies qui paraissent pour le moins incompatibles.
Formé pour devenir ecclésiastique, chanteur et musicien, Guillaume-André Villoteau quitte son état de chanoine, devient chef de choeur à Notre-Dame de Paris, puis chanteur à l'Opéra où il double le grand ténor, François Lays. Sa vie bascule quand il rejoint les scientifiques qui accompagnent Bonaparte en Égypte en 1798. Durant trois ans, il parcourt le pays, y étudie les arts musicaux des habitants. De retour en France, il rédige quatre gros mémoires pour la Descrition de l'Égypte, ce qui fait de lui le pionnier de l'archéologie musicale et de l'ethnomusicographie.
Musique essentiellement ibérique et médiévale, la musique andalouse témoigne de la grande capacité de brassage culturel du peuple andalou, unissant les caractéristiques identitaires de la musique liturgique et profane occidentale à celles des musiques arrivées d'Orient, produisant ainsi un style médiéval unique. Cet ouvrage se ressaisit de l'histoire de la musique andalouse en réélaborant sa théorie musicale perdue et en révisant ses concepts.
De Théodore Salomé, premier organiste titulaire, à Olivier Messiaen, ce livre raconte un siècle de l'histoire de la vie musicale de l'église de la Trinité : il s'attache à montrer que ses organistes et les maîtres de chapelle, dont certains furent des compositeurs au rayonnement international, ont contribué à la magnificence de sa liturgie et à sa grande notoriété.
Les oeuvres de Béla Bartok et George Enescu sont le résultat d'une synthèse harmonieuse entre la maîtrise de l'art compositionnel du début du XXe siècle et des éléments appartenant à la tradition orale véhiculée par l'intermédiaire d'interprètes populaires ou "lautari". Cette étude a pour objet de créer un lien cohérent entre l'analyse musicale et l'interprétation vivante, entre le monde savant et le monde populaire, dans l'oeuvre des deux compositeurs.
Les années 1945-2015, une traversée musicale de la deuxième partie du XXe siècle, vue par un musicien qui pratiqua plus ou moins toutes les formes d'expression musicale. Henri-Claude Fantapié, chef d'orchestre, compositeur, directeur de conservatoire, musicologue, fit aussi, selon les époques, des incursions dans les mondes du jazz, de la chanson, de la musique de rue, de la critique. Ce livre est le procès-verbal partiel et partial d'une vie dans un monde en constante mutation, qui va de l'immédiat après-guerre aux premières années du XXIe siècle.
Pianiste originaire de Nouvelle-Zélande, Vera Moore acquit une réputation internationale dans les années 1920-1930, et fut la compagne du sculpteur Constantin Brancusi. Voici le premier récit consacré à la pianiste.
L'histoire du jazz est trop souvent abordée comme une stricte succession de styles dont chacun marquerait une rupture. Le but de cette étude - pour la période des années 1950 et 1960, et par rapport à l'impact de trois figures que sont Parker, Gillespie et Ellington - est d'en souligner les continuités et les croisements.
Pourquoi certaines personnes, arrivées à l'âge adulte, renoncent-elles aux joies de la musique ? Est-ce le don, la sensibilité, l'oreille ou encore quelque mystérieuse envie qui leur fait défaut ? La psychologie de la motivation apporte des moyens éprouvés de comprendre comment, avec des capacités de départ égales, certains développent et utilisent plus ou moins bien leurs compétences musicales. Elle donne l'occasion de lancer des pistes d'étude scientifiquement fondées sur la réalité éminemment complexe du monde de la musique.
La salsa, en voilà une danse qui recèle beaucoup de facettes : un art de se mouvor qui puise sa beauté dans un patrimoine gestuel qui s'est constitué au fil du temps pour créer ce que l'on pourrait nommer aujourd'hui "l'expression salsera". Ce livre retrace sa longue histoire, tout en couleurs, en analysant le contexte d'apparition des mouvements qui la composent, l'évolution dont ils ont fait l'objet et la philosophie dont ils s'imprègnent, apportant ainsi une définition de la salsa en termes de danse.
Née dans un contexte politique et social fortement mouvementé, la musique artistique guitaristique touarègue, communément appelée musique ishumar, s'est constituée dans les années 1980 en tant que genre et voix subversive pour toute une génération de jeunes touaregs participant au mouvement de lutte armée contre les Etats-nations malien et nigérien. Ce livre offre un cadre de réflexion sur la place que détient cette musique au sein de la scène locale touarègue actuelle au Niger.
Voici le troisième volet de la tétralogie dramaturgique entreprise par l'auteur aux Editions l'Harmattan. La matière demeure : Wagner, artiste chrétien, nationaliste et antisémite allemand, hanté par la corruption des êtres et du monde, par la fin de l'Histoire et le rôle de la Femme en ces affaires, énigmatique et angoissant. Cet ouvrage s'attache longuement à relier l'Idéalisme, Wagner, la psychanalyse et l'existentialisme, en quête d'un temps scénique où l'oeuvre d'art de l'avenir se conjuguerait au présent.
Cet ouvrage constitue une véritable « Bible » indispensable pour tous les amateurs et spécialistes du blues, du jazz, du rock, de la pop. Une première partie est consacrée à la présentation du genre musical : aspects historiques, sociologiques et psychologiques ainsi que les différentes origines, les principaux styles, les instruments les plus utilisés et les descendances au sein de toutes les musiques dites actuelles. La seconde partie, la plus importante, présente les standards du genre. Au-delà de l'analyse de plus de 150 titres aujourd'hui classiques, l'auteur livre des portraits biographiques de plus de 50 représentants du blues, illustres ou peu connus. Au-delà de la compilation de multiples noms, cet ouvrage est une invitation à découvrir ou re-découvrir des chansons et des artistes intemporels.
Le parcours musical de Marcel Dortort ressemble à son parcours de vie. De Paris à New York, de Jérusalem à Paris, les longues étapes ont fortifié son désir d'être compositeur. Partant de Schönberg et Mahler qu'il admire, son esthétique, nourrie de rencontres comme Morton Feldman, invite l'auditeur à partager son goût pour les musiques aléatoires, pour l'art brut, pour la liberté libératrice d'énergie.
Cet ouvrage propose un regard historique, sociologique et musicologique sur l'esthétique du jazz des années 1950-1960. La clef d'entrée en est le blues. Voici brossé un tableau de la diversité des sensibilités et des tensions qui ont nourri cette musique : depuis les fondateurs d'un hard bop funk comme Art Blakey ou Horace Silver jusqu'aux représentants d'une avant-garde comme John Coltrane, Archie Shepp ou Andrew Hill.
Cet ouvrage se divise en deux parties : la première concerne les musiques médiévales, polyphoniques ou contrapuntiques ; la deuxième rappelle les sources fondamentales -Rome et Byzance- correspondant aux musiques monodiques. L'essai inaugure aussi la création d'une nouvelle chapelle -La Capella Schola Parisis- regroupant la confédération des ensembles-maîtrises médiévistes de Paris et d'Ile-de-France.
La composition musicale, aujourd'hui, utilise de nouvelles techniques, influencées par les évolutions de l'informatique musicale. Les récentes méthodes d'analyse et de synthèse du son ont permis à Tristan Murail de développer le concept "d'objets sonores complexes", représentés par un ensemble mélodique ou des agrégats harmoniques ou inharmoniques. Cet ouvrage présente l'analyse de la pièce L'Esprit des dunes et démontre la parenté qui existe entre sa forme et l'archétype du concerto classique.
La valse est apparue dans l'Empire des Habsbourg dans la seconde moitié du 18e siècle. Son essor coïncide avec l'époque révolutionnaire et l'émergence de la bourgeoisie. Elle présida à des plaisirs plus populaires, tout en ayant trouvé sa place au sein du plus pur classicisme musical. Elle continue d'imprégner nos moeurs, c'est dire si la valse n'est pas qu'une icône passéiste et qu'elle méritait cette étude, étant donné l'engouement qu'elle a durablement provoqué à travers des milliers de compositeurs sur tous les continents.
Mécène cultivé, émigré, organisateur de concerts, critique musical, Pierre Souvtchinski fut l'un des membres fondateurs du mouvement eurasien. Ses projets de collaboration avec Stravinsky, Prokofiev et Miaskovski, attestent de la reconnaissance dont il bénéficiait. Conjointement, cet ouvrage aborde l'histoire de la Russie au XIXe siècle et début du XXe siècle, l'esthétique musicale en Russie et en France, l'analyse musicale, la psychoacoustique, l'idéologie du mouvement eurasien, et l'émigration russe du début du XXe siècle en Occident.
Deux éléments sont particulièrement frappants dans la musique japonaise. Son extrême lenteur et son emphase sur le timbre. Le type de temps qui met l'emphase sur le présent favorise-t-il surtout et avant tout le timbre ? Quelles sont les incidences des propriétés acoustiques des instruments et des techniques orchestrales japonaises sur la musique ? Cette recherche permet de comprendre et écouter la musique de Gagaku, qui date de plus de mille ans et demeure inconnue du grand public, même au Japon.
Dans l'histoire de la musique européenne, Leos Janacek (1854-1928) fait figure de phénomène singulier en raison non seulement de la nature de son oeuvre, mais aussi de son parcours créateur atypique. Il fallut attendre les fameux triomphes de la première représentation de Jenufa (en 1916 à Prague, en 1918 à Vienne) pour que le compositeur, alors âgé de plus de 60 ans, devienne célèbre, ce qui provoqua du même coup un changement radical dans la manière dont ses contemporains le perçurent.
Qui connaît Takemitsu, le plus grand compositeur japonais contemporain, qui faisait de la musique traditionnelle selon des méthodes occidentales, de l'orchestration occidentale selon des méthodes japonaises ; qui donnait au silence autant de sens qu'au son et qui cependant, pouvait produire des sons jamais entendus jusque-là ? Une invitation au dépaysement total.